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Abstract painting – In the studio with Matheo de Bruvisso

A voir sur Youtube :

Music: Rachmaninov – Prelude in C sharp minor OP.3 N°2 (edit)
Video: Bonnie Situation Club

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Matheo interviewed by Lily Moayeri for Insomniac (selection)

This time last year, Thomas Desbouvrie (aka Thomas Dirtyphonics) was living the dance music dream. His group, French bass masters Dirtyphonics, had a well received album—Irreverence, out on Steve Aoki’s Dim Mak label—an extensive global tour supporting said album, and the luxury of flinging expensive gear into a frenzied audience. This is in addition to marking fans’ body parts with his “I Am Dirty” stamp or walking across the hands of the clamoring crowds that attended his shows.

“I want to learn new things until I’m dead.”

At the same time, Desbouvrie was rarely seen without a camera—observing, capturing moments, and generally staying quiet during interviews while his cohorts talked over each other. Throughout it all, he was immersed in his art. From his early days as a graffiti writer (Maze) and his time at prestigious French art schools, to numerous exhibitions and design work for high-profile clients, it was always Desbouvrie’s true pursuit.

Then, in January of 2014, after 10 years of hard work in music, Desbouvrie left Dirtyphonics with a heartfelt missive on both his and the group’s social networks and took on the full-time guise of his artist alter ego, Matheo de Bruvisso. Retiring to Lyon, away from the big-city crowds of Paris, Desbouvrie now spends his time splattered in paint and buried in Photoshop, and he’s never been happier. This is the first time he has fully given his life over to art—even if the question “What is art?” is constantly hovering over his every move.

You have dramatically switched direction in your pursuits a number of times. What is the main motivation for these switches?

I was always doing art, even when I had a job. I have made the mistake of thinking creativity was enough for me to be happy, so I studied design for five years. I’ve been a graphic designer, a product designer, a sound designer—and made good money out of it. It was creative but not art. Brands were using my creativity to sell more of their product. That’s the only point for a company: making money. When you do art, making money is never the purpose. For artists, making their art is the first condition of survival.


Abstract photography is a new venture for you. What’s the concept behind it?

I love walking. I look at everything: the floor, walls, sky, people, shops, everything. What I see is shapes, colors, compositions, expressions. For years, I’ve been taking pictures, but I was never happy with the result. Recently when I was working on one of these photos, I decided to exaggerate what I saw; so I pushed the colors, saturated them to the max. The shapes and composition started to appear in a new way, easier to catch, easier for everyone to see.

At the same time, I’ve been doing abstract paintings for years, and it changed my perception during my walks. I was starting to paint with my camera. The saturation was the missing link between photography and painting. The goal is to make the photographs look like paintings. I love playing with limits; that’s why I often cut the subject and leave only a small part of it. But at the same time, I leave some elements so people can make their way back to the original image in reverse—from abstraction to figuration. (…)

Do you find yourself taking pictures of certain things more than others?

Floors, walls, homeless people, old people, illness, madness—because I feel close to them. They are my brothers of solitude. Even though I have many friends and a lovely family, I have always felt really lonely. I needed time to understand being different isn’t bad and can be my strength.

For you, what’s the distinction between your photography and your painting?

Painting allows infinite possibilities, while a photo is made from something that exists. With painting, you can show everything, even the intangible. You can paint silence. You can paint a feeling. With a photo, you can show someone crying; but with painting, you can show the sadness. By modulating colors and forms, or by giving shape to the invisible, you can paint what you can’t photograph. When you look at a blue sky by van Gogh, you can see a deep violence in a blue sky—a texture that doesn’t exist. Also with painting, you can start from scratch and imagine new laws, so you can create another universe.


What’s the story with the words on some of your paintings?
I’ve always loved writing poetry, and it was natural to write on my paintings. I saw that in Basquiat’s work, and I just did the same.

You are meshing two of your mediums together, like with abstract photography.

You are right, because sometimes two words together can be stronger than painting the meaning of those words. Writing the word “banana” is totally different than painting a banana. Basquiat has been a big influence on me. When I discovered his work for the first time, I felt a huge sensation of freedom, like, “Okay! I can do whatever I want!” Some of my paintings are still inspired by his work. When I really let myself go, it often ends with something similar to his work.

Can you not always let yourself go?

Not really. When I paint figurative things, and even when I paint abstract things, it’s hard to cut your thoughts and let your instincts speak alone. It’s like a trance. Sometimes you can’t go into it.

What helps you go into it?

Music sometimes, or painting very fast so you can’t think. When you give paint and paper to an adult, before painting he will first ask, “What do I do?” or “What should I do?” He thinks first. When you give paint and paper to a child, he just takes the paint and puts it on the paper. That’s what I try to do.

You are back to taking art classes. Why?

I hate school, but I take classical painting classes because I want to know every technique so I can win degrees of liberty, multiply the possibilities, and push boundaries. I want to learn new things until I’m dead.

You are still making music. What’s your intention with it?

I started two new projects: one electro/hard-rock and one techno. Both are duos. The intention is having fun and sharing a good time with friends. I just like doing it. I’m thinking more about making arty music—meaning experimental music free from the common meaning of “good” music, with no other intention than expressing the moment, no intention of making people dance or have any other kind of good time. I feel like the difference between art and not-art is the intention. Every common creation is made with the intention of making something evolve. Art has the intention of expressing the will to make something remain forever: a feeling, an emotion that you want to catch to make eternal, which is the exact opposite.

For example, when a designer designs, when a cook cooks, there is the will of changing the present into something else. Artists change the future by showing the present, by catching something forever. Art in the form of music will be the noisy form of an emotion, a feeling, a moment in history. A great photo will catch something that will never happen again or is at a special disposition at that moment when the picture is taken. A painting will try and show the invisible of something already existing. As Nietzsche said, “The essence of all beautiful art, all great art, is gratitude,” which means that artists are the ones who capture their love for something that is here already, while other creatives are changing what they don’t love to make it better. That would sum up my theory of art—which I think a lot of people won’t agree with.

Why do you think people would disagree?

Because it puts a big limit between what is art and what is not. It explains why I don’t consider dance music as art: because it’s essentially made by thinking about how people will react on a dancefloor. There is still a part of it that can be considered art, if we look at it like the expression of the feeling you have while producing it, but the main goal is to make people dance. Noisia, for example—when you see the way they produce music, there is evidence that first of all, they are expressing their love for certain sounds and breaks, way more than how to make people dance. They are playing their own game, not the dancefloor game. They are artists, in my opinion.

Why do you have such a need to define what art is?

I’m very interested in philosophy and contemporary art, but I’m not satisfied with the theories that I read. I love to understand things, and art is maybe one of the most difficult things to define. And I want to understand why art is so big in my life. Why do I spend all my energy on it? And I want to kill a big part of contemporary art. I want to discredit the profiteers and scam artists who are only there to get rich and famous. I have nothing against artists who get rich; I have something against rich people who pretend to be artists to make even more profit. If there are people who like what those artists are offering, it doesn’t make them better artists. It goes back to the previous theory: If the point of what you do is to be liked, then you are thinking about the reaction of others. You are not focusing on the true subject of your piece of art. Art that is made to be liked is like music that is made to make people dance. That’s cool, but that’s not art to me anymore.

Interview by Lily Moayeri

Read the full interview here.

Interview for (english)

Matheo_de_Bruvisso_Insomniac_InterviewHere is my interview for, by Lily Moayeri.

Talks about photography, painting, music and the definition of art.



Vendredi 5 Septembre 2014 – Article dans Le Progrès

Interview – Cleansheet Magazine


Propos recueillis par Benoit Perez pour Cleansheet Magazine

Comment en es-tu venu au graff ?

C’était en 1996, je voyais des garçons de ma classe qui regardaient des magazines de graffiti new-yorkais (12oz prophet me semble t-il pour être exact), et ça m’intriguait beaucoup parce que c’était à la fois artistique, underground et plutôt contestataire. Je crois que Omse m’en avait prêté un exemplaire et que j’ai commencé à m’y essayer. A l’époque on n’en voyait presque pas dans les rues, c’était très peu médiatisé et ces magazines avaient beaucoup de valeur pour moi, c’étaient de vrais trésors que j’ai d’ailleurs gardés !

J’ai peint pendant les dix ans qui ont succédés puis j’ai arrêté une fois que c’était accepté et rentré dans la culture commune. Je m’y intéresse encore mais avec beaucoup moins d’implication. J’essaye de me détacher de cette influence dans mes peintures. Matheo_de_Bruvisso_Dyptique_2004_blog

Tu as progressivement glissé vers la peinture pour t’y consacrer exclusivement aujourd’hui. Comment s’est déroulé ce processus ?

En réalité je faisais de la peinture déjà bien avant de découvrir le graffiti. Très jeune je me suis mis à la peinture à l’huile. Mon père m’avait fabriqué un chevalet, ma mère lisait des bouquins de peinture, j’ai eu la chance d’être encouragé par ma famille dès ma plus jeune enfance. Et en grandissant, en vieillissant, en découvrant le monde et en me découvrant moi-même, je me suis aperçu que c’était ce qu’il y avait de plus profondément ancré en moi, que je devais être artiste (et peintre en particulier) pour être vraiment à ma place.

On va forcément parler de Dirtyphonics, ce groupe électro dont tu fais partie des cofondateurs. Comment est née l’aventure ?

J’ai découvert la MAO au lycée, ca permettait de composer des morceaux tout seul, sans avoir besoin de faire dix ans de solfège… Ensuite j’ai été en école d’art où j’ai rencontré Gaspard Augé (Justice n’existait pas encore), qui m’a fait écouter Propellerheads, ca m’a donné envie de faire des musiques plus rapides et breakées que ce que je faisais… Puis plus tard, en 2001 j’ai rencontré Charly et Nicolas Malinowsky en école de design qui eux aussi composaient de leur coté. Ils m’ont fait découvrir la drum and bass et ça a été une révélation, la musique que j’avais toujours attendue. Tous les jours, dés qu’on avait un peu de temps on sautait sur nos machines pour tester de nouvelles idées. On a ensuite rencontré Julien, qui jouait dans un groupe de métal, NFZ, et en 2004, Dirtyphonics était né.

Dirtyphonics est devenu un véritable phénomène aujourd’hui. Vous avez participé à Coachella, donné des concerts dans plus de 45 pays… Aujourd’hui avec le recul, que représente Dirtyphonics pour toi ?

Dirtyphonics représente le coté rock n roll de ma vie. Une aventure humaine extraordinaire. L’occasion de faire plusieurs fois le tour du monde et de m’enrichir de cultures diverses. Et Dirtyphonics m’a aussi apporté la preuve de ce que m’a toujours dit mon pére : « rien ne résiste au travail » ! Matheo_de_Bruvisso_Dirtyphonics_Stage2

Ça m’a aussi appris à ne pas réfléchir, à faire confiance à l’instinct, au flow, au ressenti. Quand on joue d’un instrument, si on pense trop, ça ne fonctionne pas, il faut apprendre à être bête ! Ça me sert beaucoup dans la peinture !

Quand on regarde vos vidéos (je pense notamment à la série French do it Better), on voit une belle bande de barrés… Vous vivez vraiment comme ça, à l’image de votre musique ?

Non, en vrai c’est largement pire. On ne peut pas tout montrer dans les vidéos…mais on est complétement fous, on est vraiment dans la philosophie « work hard, party hard », on arrête jamais !

Revenons-en à la peinture. Comment caractérises-tu ton travail ? On voit beaucoup de couleurs vives, des toiles saturées et beaucoup de portraits…

Contrasté, puissant, instinctif. J’essaye de ne pas trop me répéter, c’est une posture difficile car commercialement la logique veut qu’on fasse des séries dans un style trés reconnaissable. Au contraire j’essaye de repartir de zéro aussi souvent que possible, comme un éternel débutant. C’est donc assez difficile à définir. Le lien le plus fort entre mes peintures, c’est mon intuition, ma propre vision. Pour moi l’ensemble est cohérent même en restant impossible à mettre dans une seule case.

Perso, La Fille aux Escaliers, l’une de tes dernières toiles il me semble, m’intrigue particulièrement. On voit une silhouette féminine au milieu d’une sorte de carrefour d’escaliers… Il y a un message particulier dans cette toile ?

Bien sur, même si le message n’a rien de conscient au moment où je choisis de représenter une scène, il s’en dégage toujours un sens personnel que je tente de faire ressentir universellement. Thumbnail_debruvisso_fille_escaliers Il n’y a même pas vraiment à réfléchir pour le ressentir mais si on veut analyser, il suffit de se demander ce que représentent, un escalier, une lumière dans le haut du tableau, les mots hôtel et restaurant dans le bas, une femme au milieu tournée vers la seule direction sans escaliers, etc. C’est le genre de scène qui offre beaucoup de possibilité d’interprétations, j’aime que le public puisse s’approprier une œuvre.

Raconte-nous un peu ton processus de création. Tu réfléchis beaucoup avant de commencer à peindre ou tout sort direct de ton pinceau ? Élaboration ou instinct ?

Je réfléchis beaucoup, tout le temps, sauf au moment de peindre. Je me nourris de tout ce que je vois, de tout ce que je lis ou entends. C’est devenu un mode de vie, je passe mon temps à observer, comme si une partie de moi était hors de moi à tout analyser. Je vois de l’art partout, surtout là où il n’y en a pas.

Au moment de peindre, c’est comme si tout se faisait tout seul, tout ce que j’ai emmagasiné ressort dans une sorte de synthèse. Je fais de plus en plus confiance à mon instinct et je relègue la réflexion au second plan. C’est un peu la question que je pose dans « L’Instinct et la Raison » où je confronte les deux. Matheo_de_Bruvisso_Intinct_&_Reason_blog

D’où vient ce pseudonyme « Matheo de Bruvisso » ?

C’est un anagramme de mon vrai nom « Thomas Desbouvrie ». Et ça sonne bien, on dirait un archétype de nom d’artiste, c’est caricatural, on imagine un type qui aurait un accent étranger un peu mystérieux. Je trouve ça drôle.

Dans ta biographie visible sur ton site, tu dis qu’à partir de tes 33 ans, il n’est plus question que de peinture… C’est l’âge de raison ?

C’est l’âge de la mort du Christ, j’ai dit ça pour le côté mystique mais en fait ça ne correspond à rien de concret ! Je crois que ça faisait juste bien à cet endroit dans le texte.

Tu fais aussi de la photo et de la poésie… Tu es complètement hyperactif en fait ?? Qu’est-ce tu n’as pas encore fait et que tu aimerais faire ?

Complètement oui, s’il se passe une journée où je n’ai pas appris ou créé quelque chose, j’ai l’impression d’avoir perdu mon temps et je me sens mal. La vie est beaucoup trop courte pour tout ce que je voudrais connaître. Parmi les milliers de choses que j’aimerais faire il y a surtout de la philosophie et de la physique à haut niveau. Je suis fasciné par tout ce qui aide à comprendre le monde. Je rêverais aussi de servir l’humanité, mais c’est un peu ce que font les artistes à leur manière. J’aimerais pouvoir inspirer d’autres Hommes à se dépasser et devenir meilleurs comme mes héros l’ont fait pour moi.

Parle-nous de ta prochaine expo à l’Autre Maison. Que vas-tu présenter ?

Je présente des photos pour la première fois. Et des peintures bien évidement. Ce sont 5 peintures très différentes les unes des autres. Le mieux c’est d’aller voir par vous-même, à la galerie Fabrice Diomard au 54 avenue de la Motte Piquet, dans le XVème à Paris.

Interview pour Mode Opératoire – 2009



Interview pour Mode Opératoire – 2009
propos recueillis par Laure Namur

Pour contrecarrer quelques idées reçues, Maze a.k.a Thomas Desbouvrie, accepte de mettre le fun à l’épreuve de la réflexion. Artiste complet (membre du groupe de Drum and Bass Dirtyphonics, peintre, ex graffeur et directeur artistique), c’est avec philosophie qu’il répond à nos questions concernant ses peintures où le graff s’invite souvent. Démarche instinctive, stimulation cérébrale… Rencontre avec un artiste qui carbure aux deux.


Comment en es-tu venu au graff ?

C’était vers 1995, des potes mataient des fanzines américains de graffitis pendant les cours. Je n’y comprenais pas grand chose mais je n’avais jamais vu de visuels aussi puissants en formes et en couleurs, ça m’a immédiatement attiré. De nature curieuse, je m’y suis intéressé de plus près et faisant déjà de la peinture, je m’y suis mis tout naturellement.

La peinture pour toi c’est une forme aboutie du graffiti ou juste une autre discipline ?

Pour moi ça n’a rien à voir. J’ai toujours fait de la peinture et le graffiti est venu comme une autre activité parallèle pendant une dizaine d’années. Je n’ai jamais considéré mes graffitis comme des œuvres d’art et rares sont les graffeurs qui ont une réelle ambition artistique. La plupart du temps c’est juste pour le plaisir ou pour l’adrénaline. Le fait qu’on retrouve des éléments du graffiti dans mes peintures est juste du à une influence culturelle. Je n’ai jamais vraiment eu la volonté de faire des graffitis sur toile…

En quoi Nietzsche ou Kant ont influencé ta vision de la vie et donc de l’art ?

La philosophie en général change la vision de la vie. Nietzsche et Kant sont deux philosophes très différents et qui s’opposent même sur de nombreux points mais tous les deux m’ont aidé à comprendre que l’art apporte du sens à la vie. Par l’art on peut transformer n’importe quelle chose banale du quotidien pour la sublimer et la rendre exceptionnelle. En faisant de chaque instant un moment de création artistique, on peut modeler sa vie et l’apprécier tout autrement. Vivre aussi intensément que possible, voilà ce qui compte vraiment pour moi.

La réflexion, l’introspection ont l’air d’être des ingrédients de ton quotidien. Pour peindre tu marches à l’instinct ou à l’élaboration ?

C’est un peu malgré moi mais effectivement je passe mon temps à me poser des questions, j’ai beaucoup de mal à avoir l’esprit au calme. La création est un moment d’activité tout aussi intense mais où je ne réfléchis plus. Ca vient tout seul, il n’est plus question de rationalité, tout devient évident par de simples ressentis. Au quotidien, j’accumule des idées, des réflexions, je me nourris d’absolument tout et au moment de peindre, tout ressort sans même que je le décide vraiment. Je suis dans une sorte de transe où l’intuition et l’instinct sont mes seuls guides. Je ne prépare jamais de croquis ni d’esquisse, j’ai horreur de ça !

Les mots sont primordiaux dans ton travail. Est-ce que ce sont les mots qui dictent la toile ou la toile qui dicte les mots ?

Les mots font partie des choses que me dicte mon instinct, je les ressens comme des couleurs ou des formes et souvent ils n’ont pas d’autre sens que leur présence sur la toile. C’est à dire qu’il n’y a parfois rien à comprendre. D’autres fois ce sont des aphorismes, des réflexions que j’ai eues et qui reviennent à la surface. Ca peut aussi être une idée qui me vient sur le moment, une phrase poétique ou qui m’amuse.

« Et si l’existence n’a aucun sens, il faut bien que les hommes fassent autre chose que mourir. » A part l’art, quelles sont les autres choses qui donnent un sens à la vie ?

Je ne pense pas qu’on vive par raison mais plutôt par instinct. Puisque nous vivons et que cette vie est éphémère, puisqu’elle n’a aucun sens a priori, alors il faut oublier la question du sens et vivre pour vivre. C’est à dire faire en sorte de ressentir la vie plutôt que de la laisser filer jusqu’à sa fin.

Le graff correspond à une tendance de plus en plus importante (expo au Grand Palais, particuliers qui font peindre les murs de leurs lofts…). Qu’est ce que tu penses de cet embourgeoisement d’une culture urbaine ?

Ça ne m’a jamais gêné que les cultures underground remontent aux yeux du grand public. J’ai horreur du purisme ! Évidement, ça n’a plus rien à voir avec le graffiti tel qu’il était à sa naissance. Mais est-ce que ça ne serait pas bien pire d’imaginer une chose qui soit toujours la même ? D’ailleurs on parle d’un « mouvement » hip hop… Un mouvement qui stagne c’est un peu louche ! Pas de vie sans évolution !